jueves, 8 de abril de 2010

EL COLECCIONISTA DE MOMENTOS CAMBIA DE DOMICILIO

El Coleccionista de Momentos ya tiene dominio propio. Y tiene una placentera sensación de libertad al dejar de depender de la plataforma de Blogger y sus caprichos.
Los espero a tod@s en el nuevo domicilio: www.elcoleccionistademomentos.com para continuar compartiendo esa música que hace historia.
Y como siempre, mi más sincero y eterno agradecimiento a los seguidores del blog y a los visitantes, asiduos y ocasionales, que son la mejor motivación para un bloguero.
Seguimos compartiendo este espacio en www.elcoleccionistademomentos.com

martes, 30 de marzo de 2010

PREMIOS RECIBIDOS II

Hoy cuelgo este post en el que ante todo pido disculpas por el retraso.
Nuevamente "El Coleccionista de Momentos" ha sido distinguido con múltiples galardones, los cuales agradezco sinceramente.
Estos son los premios:




















Y quienes han tenido la osadía de premiar a "El Coleccionista" han sido:
ANRAFERA Todo sobre Photoshop.

FREESIETE (En realidad, creo que es Linus Torvald de incógnito)

Muchas gracias compañeros.

Paralelamente, esto implica la difícil tarea de tener que elegir otros blogs para entregarles estos premios. En este caso se los entrego a los siguientes, que no son todos los que quisiera:








Y para finalizar esta primera instancia, hay que responder a una pregunta para recoger cada uno de los premios:
Premio Espada: Menciona a tu heroína favorita: La Sra. Emma Peel

Premio Blog Irresistible: Nombra tres cosas a las que nunca te resistirías: A una cerveza en verano, a una copa de vino riojano en cualquier época del año y a una sonrisa de mujer. ¿Quien no?

Premio Fortuna: Di algo que tenga un valor incalculable: Mi fin de semana.

Premio Sweet Blogger: ¿Qué cosas te encantan en un blog?: Que despierte mi interés

Por otro lado FREESIETE me ha honrado con la entrega de otros dos galardones que son:
Muchas gracias FREESIETE
Y por último, pero no menos importante, un gran agradecimiento a MAR (La red con mejor onda) por entregarme los premios "Blog Vip", "Cute Cute" y "Eres Genial" expuestos en un post anterior.
Gracias sinceras a tod@s

sábado, 20 de marzo de 2010

KOKO TAYLOR - OLD SCHOOL - 2007

Nacida en Menphis, en 1928, Koko Taylor forjó ese don genético alimentado por esa patria de blues que era su tierra natal hasta convertirse en la Reina del Blues de Chicago, ciudad a la que llegó en 1952 y comenzó su carrera artística cantando en clubes nocturnos, actividad que alternaba con tareas de limpieza durante el día.
Abrirse camino en el escenario musical no fue fácil, pero la constancia y el esfuerzo, además del talento fructificaron en 1963, cuando el compositor y productor discográfico Willie Dixon la escuchó. Convencido de su potencial, consiguió que pudiera firmar con el sello Chess. El momento culminante de esta relación llega en 1965, cuando Dixon compone “Wang Dang Doodle” y Koko lo hace suyo en la interpretación. Esta grabación vende más de 1 millón de copias y Koko Taylor no sólo se gana un lugar en el escenario del blues, sino que se lo gana entre los hombres del blues. Las voces femeninas de la época estaban más decantadas por soul y el R&B, mientras Koko grita la canción visceral del sur. Es sin duda alguna, la auténtica Blueswoman. Una vida que transcurre en la carretera y siempre a punto de subir a un escenario.
Si bien su producción discográfica no es muy extensa (grabó 17 álbumes además de algunos singles), sus conciertos alcanzaban las 200 presentaciones anuales hasta 2003, que sufrió un infarto y estuvo 28 días en coma. Tras cuatro meses de recuperación, “La Reina del Blues” vuelve a los escenarios y sigue actuando unas 40 veces al año..
Brindó su último concierto el 7 de mayo de 2009 en Menphis, en la ceremonia de entrega de premios a las mejores canciones de blues. Un mes más tarde, el 3 de junio, fallecía a la edad de 80 años, mientras preparaba su presentación para el ”XXI Festival Getxo & Blues” que se celebraba entre el 12 y el 14 de junio en la ciudad vizcaina.
“Old School” es su último disco publicado por Alligator en 2007. Su avanzada edad no le restaba fuerza en los escenarios. Al contrario, la engrandecía y la hacía brillar con mayor intensidad.
Dedicado a tod@s los seguidores y visitantes de este blog. Espero que les guste.




Video de Koko Taylor

miércoles, 10 de marzo de 2010

GRAND FUNK RAILROAD - WE´RE AN AMERICAN BAND - 1973

Un pedazo de Power Trio. Una máquina de rock perfectamente aceitada que se ensambla en Michigan en 1969. Su nombre alude a la “Grand Trunk Western Railroad” la empresa ferroviaria de Michigan.
Mark Farner como vocalista y guitarrista, Don Brewer en la batería y el bajista Mel Schacher inician una carrera arrolladora impulsados por Terry Knight, un curioso personaje,DJ de Detroit, productor musical de bandas de rock , promotor, compositor, cantante y conductor de programas de radio. La relación con Brewer proviene de “Terry Knight and the Pack”, grupo de garage formado en 1965 en el que también intervino Mark Farner durante algunos meses. La experiencia de “The Pack” duró hasta 1967 y dejó un legado de dos discos de escasa repercusión.
En 1969, Knight vuelve a contactar a Brewer y Farner, a los que se suma Mel Schacher para formar lo que será “Grand Funck Railroad”. Terry Knight será el manager que sube a la banda al escenario ante 125000 personas en el Atlanta Pop Festival de 1969. Su concierto fue demoledor y era lo que necesitaba Knigth para impresionar a sus conocidos de Capitol Records.
Efectivamente firman un contrato para grabar su primer LP “On Time”.
De Terry Knight se dice que tuvo algunos sucesos en radio, un modesto suceso como cantante y un suceso fenomenal como manager y productor de “GFR”
En sólo 3 años graban seis albums de estudio y uno en vivo. (Ninguno de los cuales tiene desperdicio), una cifra impensable en estos días y si a esto le sumamos que en los 3 años no pararon de hacer giras confirmamos que evidentemente GFR era una máquina. Contrariamente a los conceptos negativos vertidos por la “crítica especializada” los discos editados por la banda estuvieron en los primeros puestos de las listas y sus conciertos agotaban las entradas en horas.
Su primer LP “On Time” alcanzó el puesto 27 en las listas americanas. “Grand Funk” (1970), título del segundo álbum llegó al puesto 11 del Billboard, “Closer to Home” (1970), puesto número 6, “Live Album” (1971), se ubicó en el quinto lugar, “Survival” (1971), sexto lugar y “E Pruribus Funk” (1971) obtuvo el puesto número 5.
Toda una carrera que en tres años los convierte en el referente del hard rock en USA. “Grand Funk Railroad” fue la única banda además de “The Beatles” de agotar las entradas del Shea Stadium de NY.
En 1972 graban “Phoenix”. En este disco incorporan teclados a cargo de Craig Frost para ampliar el color sonoro de la banda, resultando un excelente hard blues rock. También se produce la ruptura de la relación entre Terry Knigth y “GFR” que termina en juicios y demandas. No obstante, “Phoenix”, autoproducido por la banda se ubica en el séptimo puesto del Billboard.
Las disputas legales, dan un poco de respiro a la frenética carrera de la banda. Terry Knight reclama los derechos del nombre “Grand Funk Railroad”, por lo que la banda saca su próximo disco, “We´re an American Band” (1973) como “Grand Funk” con la producción de Todd Rundgren. Se nota que el descanso los favoreció, lo que sumado a la experiencia adquirida hicieron de “Whe´re an American Band” la más exitosa de sus obras en todos los sentidos. El tema que da nombre al LP ya era un himno de la banda y se ubica en el número 1 en singles y el álbum llega al puesto número 2 en LPs.
Siguieron viniendo discos año tras año, pero no fueron capaces de superar el éxito de esta primera etapa. Incluso en 1976 grabaron “Good Singin Good Playin”, producido por Frank Zappa, que a pesar de las expectativas, no alcanzó para que la banda volviera a levantar vuelo y el cuarteto se disuelve.
No sin razón, GFR es considerada la mejor banda americana. Negada por la crítica, rechazada para su difusión por las emisoras de radio, mientras Led Zeppelin, Deep Purple o Black Sabbath deambulaban por el olimpo de los dioses, GFR deambulaba por USA convocando masivamente a sus fans. Sus 25 millones de discos vendidos confirman su excelencia.
Vaya este post como un pequeño homenaje a una gran banda injustamente olvidada.

Video de Grand Funk Railroad

sábado, 27 de febrero de 2010

DJANGO REINHARDT - STEPHANE GRAPPELLI - SWING FROM PARIS - 1936

Y en la categoría de Leyendas, no podía faltar este gitano de origen belga que le dio un sitio al jazz europeo, rompiendo con la hegemonía norteamericana.
Sin saber leer música, bueno, tampoco sabía leer ni escribir otra cosa en la época de sus primeras participaciones en grabaciones de discos, por eso es que su nombre aparece como “Jiango Renard” en el disco que hizo con el acordeonista Jean Vaissade para la “Ideal Company” en 1928. Nació en 1910, y con su tribu nómada transitó por Bélgica y Francia hasta aparcar finalmente en París, dónde creció entre dos mundos, el de las caravanas en las afueras de la ciudad, medieval en sus creencias y desconfiado de la ciencia moderna y el de un París en apogeo que marcaba tendencias en Europa.
Comienza tocando el banjo que por supuesto aprende de manera autodidacta. A los 13 años ya despierta la atención del público y poco más tarde ya toca en clubes y bares.
Para 1928 consigue un contrato para grabar como solista, pero las lesiones que sufre al incendiarse su caravana truncan este proyecto y a punto está de acabar con su carrera musical. Pero su fuerza de voluntad era la de un gigante. Perdió la movilidad de dos dedos de la mano izquierda, que le quedaron contraídos. Y los médicos propusieron amputarle la pierna izquierda. Django se negó y pasó 18 meses de intensa rehabilitación y cuidados con los que salvó su pierna.
En este período de recuperación, su hermano le llevó una guitarra y también unos discos de Louis Armstrong y Duke Ellington. Con los discos, descubrió que el jazz era la música que quería hacer. Y con la guitarra se inventó toda una técnica para poder tocar con los únicos dos dedos útiles de su mano izquierda.
El resultado es asombroso. Al escucharlo, parece que tuviera más dedos que cualquier otro guitarrista y muchos otros guitarristas se han dejado los dedos tratando de tocar como él. Así es que se lo conoció como “El Gitano de los Dedos de Oro”.
Su música combina el swing del jazz norteamericano con las raíces musicales gitanas del este europeo, dando lo que luego se conoció como jazz manouche o gipsy jazz.
También fue un precursor al darle un lugar protagónico a la guitarra en el jazz de la época.
Su relación con el violinista francés Stephane Grappelli desemboca en una exitosa etapa musical que sienta las bases para el desarrollo del jazz europeo.
En 1934, Pierre Nourry, director del Hot Club de París, le propone formar una banda de cuerdas junto a Grappelli. Así nace “The Quintet of the Hot Club of France”. Junto a Reinhardt y Grappelli, había otras dos guitarras, a cargo de Roger Chaput y Joseph Reinhardt y un contrabajo ejecutado por Louis Vola.
El éxito fue inmediato y las grabaciones con Ultraphone, Decca y HMV lo esparcieron por todo el mundo.
En sus giras europeas participaron importantes instrumentistas americanos como invitados, tal el caso de Benny Carter al saxo alto o Coleman Hawkins al saxo tenor.
El estallido de la segunda guerra mundial en 1939 encuentra al grupo en Londres. Grappelli decide quedarse y Reinhardt regresa a París.
Durante esos años lidera una Big Band, forma otro quinteto en el cual el violín de Grappelli es reemplazado por el clarinete de Hubert Rostaing y luego de la liberación toca con músicos de jazz americanos que pasan por Francia.
Su fama, avalada por su talento y su virtuosismo y apuntalada, porqué no, en su fanfarronería, lo lleva de gira a USA convocado por Duke Ellington como invitado de su banda. Si bien la gira fue exitosa, el bop de moda en la época sonaba estridente en la guitarra (en este caso eléctrica) de Django. Muy alejado de aquel alegre swing.
Durante su estancia en Estados Unidos, también tocó en programas de radio junto a Louis Armstrong.
A su regreso a Francia se reúne en varias ocasiones con Grappelli y vuelven a encontrar un equilibrio fusionando el swing con el bop.
En 1950 se retira a Fontainbleu y prácticamente abandona la música. En 1953 muere de un derrame cerebral a la temprana edad de 43 años.
Su legado es enorme. Casi 300 grabaciones. Un seguidor en cada guitarrista. Un estilo que cambió la historia de la música.

Video Django Reinhardt - Stephane Grappelli

jueves, 25 de febrero de 2010

PREMIOS RECIBIDOS

Por triple partida, este blog ha sido considerado merecedor de tres premios. Efectivamente, tres blogs me han halagado al entregarme estos galardones. Ellos son:

ANRAFERA Maestro del Photo Shop.
FREESIETE Soluciones para nuestros conflictos cotidianos con el ordenador.
MARIAN Soluciones para nuestros conflictos cotidianos con la vida misma.


Y estos son los premios:













Mi más sincero agradecimiento. Y los comparto con tod@s los que día a día visitan este blog y que son quienes en realidad le dan vida.
Pero ahora me ponen en la difícil tarea de seleccionar a otros seis blogs para hacerles entrega de estos premios. Que en realidad, el trabajo que invierte cada bloguero lo hace merecedor de estos premios.

Me he tenido que valer del azar para quedarme con 5 blogs a los que los entrego los premios.

http://macgo.wordpress.com/
http://colonia-augusta-emerita.blogspot.com/
http://mp3ymusica.com/
http://africaempoesia.blogspot.com/
http://elisaserendipity.blogspot.com/

El sexto es para:
http://chiarissainwonderland.blogspot.com/
Porque es el blog de mi hija que tiene 13 años y se inicia como bloguera. Perdonen estos caprichos de padre.

Gracias a tod@s.

lunes, 22 de febrero de 2010

LEANDRO "GATO" BARBIERI - CALIENTE - 1976

Leandro José BarbierI, “El Gato”, nació en Rosario (Te lo dedico Elisa, como buena representante de Rosario) en 1932 en una familia de clase media que ya contaba con algunos músicos en su seno. Esto lo llevó a una iniciación temprana en el aprendizaje del clarinete y la práctica del fútbol.
En 1947 se traslada con su familia a Buenos Aires. Continúa demostrando sus cualidades con el clarinete y sigue sus prácticas de fútbol en el club Platense. Gracias a la insistencia de su profesor, Ruggiero Lavecchia, cambia el clarinete por el saxo alto y abandona el fútbol ante la falta de mayores oportunidades en ese arte.
Así comienza su tránsito por el mundillo del jazz en Buenos Aires, dónde se gana un nombre como saxofonista que lo lleva a formar parte de la orquesta de Lalo Schifrin hacia 1953. Esta fue una experiencia enriquecedora, que lo consolida como músico y hacia finales de la década formó su propia banda.
Pero las expectativas musicales del Gato no se conformaban con hacer un buen jazz respetando los esquemas del “buen jazz”. Buenos Aires lo asfixia, (como asfixió a Schifrin, a Piazzolla, a Saluzzi , por citar algunos) y en 1963 se traslada a Roma. En Europa entabla una fructífera y perdurable relación con el trompetista Don Cherry, un gran exponente del free jazz. Juntos graban un par de buenos discos, “Gato Barbieri & Don Cherry” (1965) y “Complete Communion” (1966). Pero su presentación en el Festival de Bolonia de 1966 sólo obtuvo como respuesta la silbatina de una concurrencia conservadora. Italia todavía no era el lugar indicado para marcar tendencias.
Paralelamente, Barbieri realizó intervenciones musicales para el cine, con las cuales se forjó un lugar dentro del ambiente. Y fue precisamente su trabajo para la película de Bernardo Bertolucci, “Ultimo Tango en París” en 1972 el que le brinda un Grammy y el reconocimiento internacional.
Su inquietud y su inconformismo dan por concluida la etapa europea y el Gato Barbieri se radica en Nueva York dónde siente que puede dar rienda suelta a sus intenciones musicales. De esta época son “The Third World”, “El Pampero” “Fenix”, “Bolivia”.
Obras en las que se retrotrae a las raíces latinoamericanas, incorporando los instrumentos, la percusión, las texturas y los guiños propios de estas tierras, creando una armonía excitante mientras su saxo suena con sonido desgarrado.
“Caliente” es un disco con el cual vuelve a buscar un equilibrio, en el que el ritmo es envuelto por un smooth jazz. Una excelente interpretación de “Europa” de Carlos Santana, con quien compartió escenario en 1977 y la versión del tema de Marvin Gaye “I Want You” no se pueden dejar de escuchar.
Su experimentación transcurre con acercamientos al pop e incluso al rock con discos como “Ruby Ruby” y “Apasionado” hasta 1988 que tras grabar “The Third Word Revisited” se retira por diez años.
En 1997 regresa y aún hoy es una leyenda viva que nos sigue regalando su música y su estilo que influyó y sigue influyendo a generaciones de músicos.

Video de Leandro "Gato" Barbieri



viernes, 19 de febrero de 2010

SKIP JAMES - HARD TIME KILLING FLOOR BLUES - 1931

Esto es BLUES, así, con mayúsculas. Tiene olor a plantación del Mississipi. Es la noche del negro solo con su guitarra escapando de los agobios del día.
Skip es uno de los que dio una prueba ante H. C. Speir, dueño de una tienda de discos de Jackson, un blanco que dicen que no apreciaba la música, pero tenía visión para los negocios. En realidad, Speir estaba relacionado con los ejecutivos de ARC y OKha, de quienes recibía una comisión por realizar audiciones y cuando encontraba un músico con algunos temas grabables, lo remitía a la discográfica con un billete de tren y gastos pagados. Este fue el caso de Skip James. También el de Charley Patton, Bo Carter, Tommy Johnson y Robert Johnson.
Gracias a Speir quedaron registros como este disco, en el que Skip James afina la guitarra a su particular manera en tono menor aprendida de Henry Stuckey un guitarrista local no grabado, que hacía un estilo particular de blues que transmitió a Skip y que algunos, por ponerle nombre a las cosas, lo llaman estilo “Bentonia” por ser esta la pequeña ciudad que dominaba la zona donde se origina. Skip James podía encandilar con su técnica en la guitarra. También tocaba dignamente el piano, pero cuando canta, su introspección, su melancolía e incluso su crudeza, cautivan definitivamente generación tras generación.
Volviendo al contexto histórico, la depresión económica alcanzó a las discográficas y en 1932 Paramounth cancela a muchos artistas, entre ellos a Skip James que se dedicó a tocar en algunos locales por un tiempo, luego se fue a Texas, abandonó la vida de bluesman y se dedicó a predicar y tocar en iglesias. Treinta años estuvo desaparecido de la escena. Se negó a grabar cuando Speir se lo volvió a proponer, y se negó a participar del hervidero musical de las ciudades del norte, donde muchos músicos estaban llamados a convertirse en estrellas.
Pero un buen día, a principios de los 60´s, volvió a entonar sus viejos blues, sin dar explicaciones. Su aparición en el festival de Newport de 1964, ante un público cien por ciento blanco, lo mostró talentoso, como siempre, pero más distante, tanto del público como de los músicos. Tal vez resignado a no encontrar la salvación. Las grabaciones de esta época están enmarcadas por las directrices de las discográficas, que de todos modos son trascendidas por la intensidad de Skip.
Muchos fueron influenciados de una u otra manera por este artista retraido a su interior. John Lee Hooker, Jimi Hendrix y hasta Bob Dylan.
Su grabación de 1931 de “I´m So Glad” fue recreada por Deep Purple en 1968 y Eric Clapton también hizo su versión con Cream, cuyos derechos le reportaron la suma de U$S 4000 que le permitieron pagar los gastos del hospital de County y su propio funeral en 1969.
Todo un blues.






Skyp James Video

sábado, 13 de febrero de 2010

JOE BONAMASSA - THE BALLAD OF JOHN HENRY - 2009

Y se pone en marcha El Coleccionista de Momentos II (El Regreso...).
Vamos a ver cuanto dura esta etapa, pero eso no importa, porque como dice la Princesa Chiarii, no importa cuantas veces lo cancelen, El Coleccionista volverá por otra puerta, que gracias a Internet, son muchas.
Me he pasado unos días buscando algún material que esté a la altura de esta re apertura y de las expectativas de los seguidores y visitantes de este blog. Y este me pareció el adecuado. A ver que opinan.
Joe Bonamassa está considerado al día de hoy como uno de los máximos exponentes de la guitarra en el ámbito del blues rock.
En mayo de 2009 brindó un concierto en el Royal Albert Hall para celebrar sus 20 años de carrera musical. El tema es que al día de hoy Bonamassa tiene 32 años, por lo que concluimos que su carrera comenzó con poco más de diez. Y efectivamente. Su talento bestial con la guitarra le permitió a los 12 años compartir escenario nada menos que con BB King con lo ha seguido haciendo en otras numerosas oportunidades a lo largo de su carrera.
Su pasión son el blues y las guitarras. Su colección alcanza las 190 unidades.
Nacido en NY, sus influencias le llegan no solamente de los grandes de USA (Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, BB King), sino también del blues británico (Eric Clapton, Jeff beck, Jimmy Page, John Mayall).
No obstante su extensa e intensa trayectoria, su nombre trasciende las fronteras de US y llega a Europa hace solo unos pocos años.
Escuchar su música es regresar a 1971-72-73 y escuchar ese magnífico blues rock, pero con un aire renovado que refuerza su vigencia.
Al día de hoy, Joe Bonamassa tiene publicados 11 discos, el primero “Bloodline” de 1994 y el último recién salido del horno es “Black Rock”. Y entre los DVD no se puede dejar de mencionar el de su concierto en el Royal Albert Hall.
Sus extensas giras alcanzan las 250 presentaciones anuales.
“The Ballad of John Henry” es una de sus obras más completas. Se nota la experiencia aquilatada y además de ser un Guitar Hero, compone y canta a la altura. Además de sus composiciones, las versiones que hace de Tom Waits (Jockey Full of Bourbon), Sam Brown (Stop), Ike & Tina Turner (Funkier Than as Mosquito´s Tweeter) son insuperables.
Dicho lo dicho, sólo queda ver los videos, que hablan por si mismos.
Especialmente dedicado a todos los seguidores y amigos, que no nombro porque seguro me olvidaría de alguien, pero todos saben quienes son.
Joe Bonamassa Video





miércoles, 10 de febrero de 2010

BLOGGER ELIMINÓ MI BLOG

EL COLECCIONISTA DE MOMENTOS ha sido eliminado por Blogger-Google por indicaciones de la DMCA (Digital Millenium Copyright Act), ya que estos consideran que la difusión de la cultura sin ánimo de lucro es piratería. Obviamente, no estoy de acuerdo con ellos. También estoy en contra de la piratería. Pero creo que internet es el medio óptimo para divulgar la cultura y el conocimiento que hasta ahora estuvo monopolizado por distintos engranajes de una maquinaria que sí lucra (y mucho, si en porcentajes hablamos) con ello. No obstante, mi nuevo blog ya está en marcha y espero que muy pronto volvamos a estar en contacto.
Gracias a todos. A los seguidores, a los visitantes asiduos y a los ocasionales y a los que me han alentado con sus comentarios en este año y cuarto que vivió el blog.
Espero que nos sigamos encontrando en este espacio.